Pour la 13e année consécutive
Le V&A revient en tant que centre officiel du London Design Festival avec une série de dix installations qui interprètent le thème de la transformation et de la régénération.
Cette année, il semble que chaque installation invite le spectateur à réfléchir à son rapport à ce qui l’entoure, qu’il s’agisse de matériaux, de déchets, de statues ou même de ses propres objets personnels.
Debout dans les jardins John Madejiski du V&A
Vous pouvez sentir la chaleur sur votre visage lorsque le verre souffle en direct. Des pièces décoratives du dispositif d’expérimentation des matériaux sont également exposées.
Peu de gens admettraient vouloir faire fondre l’une des collections permanentes de pièces en métal précieux du V&A, mais le co-fondateur de Bocci, Omer Arbel’s, a déclaré qu’il « fantasmait » à ce sujet au début du processus de conception. Au lieu de cela, il a collecté des objets ressemblant à des collections de musées dans des magasins d’antiquités et des marchés aux puces de Londres.
Dans le but de « modifier la composition de la matière »
Arbel a commencé à réfléchir à la combinaison de deux matières premières aux propriétés chimiques et physiques différentes. Une fois fondus, le verre et le cuivre se mélangent harmonieusement, cependant, lorsque le verre durcit, le verre se brise, laissant derrière lui une délicate relique de cuivre.
Contrairement au cuivre ordinaire
Les pièces ont une qualité irisée qu’Arbel appelle « l’ombre du verre ». Il aime contrôler ce qui est prélevé sur les décors, ce qui revient entièrement au souffleur de verre. Dans la Paul and Kill Ruddock Gallery, les matériaux anciens utilisés dans le processus sont exposés à côté du produit final, mettant en valeur le niveau de transformation.
A l’exposition R for Repairs
Donner une nouvelle vie à des matériaux existants est une pratique explorée à un niveau personnel. Tout a commencé à Singapour il y a deux ans, lorsque Hans Tan Studio et Jane Withers Studio ont commencé à commenter les déchets mondiaux en restaurant les effets personnels des gens.
Withers a noté que « les objets que les gens envoient sont bizarres », cependant, après avoir entendu les histoires derrière eux, les concepteurs ont pu mieux comprendre la valeur émotionnelle de l’attachement et comment la réparation d’objets peut leur donner de nouvelles significations.
Une pièce remarquable de l’exposition est une ancienne armoire à couture
Réinventée en table à Londres cette année par le designer Rio Kobayashi. La propriétaire, qui a hérité le coffre du XVIIIe siècle de sa grand-mère, l’a ouvert pour trouver quelques dessins et aquarelles cachés à l’intérieur.
La propriétaire du magasin a poursuivi elle-même une carrière artistique et a ressenti un lien avec sa grand-mère à travers ce coffre, représentant le rêve de sa grand-mère de devenir artiste, une mission qui ne s’est jamais réalisée.
Kobayashi a ouvert la boîte
A ajouté un dessus de table en verre pour rendre l’œuvre d’art visible et a restauré le corps de la boîte en utilisant une variété de bois et des techniques de menuiserie japonaises qui ne nécessitaient ni colle ni clous.
« Le processus créatif de l’exposition et du produit fini révèle le sens profond de la restauration, que Withers décrit comme « la dimension psychologique de la restauration de la mémoire ».
Le V&A a demandé à toutes les femmes du studio de design interdisciplinaire Xcessive Aesthetics de répondre à quelque chose au sein du musée sur le thème de la transformation et de la régénération. L’équipe de conception a choisi d’explorer la fonderie, qui abrite une grande collection de répliques de certaines des sculptures les plus célèbres du monde dans deux salles.
Constatant la valeur que les musées accordent à la sculpture de certains types de corps, Xcessive Aesthetics a commencé à remettre en question le processus et le raisonnement derrière la reproduction et a conçu une nouvelle version moins conventionnelle. Entrez NotDavid!, une sculpture géométrique imposante faite de panneaux d’aluminium qui ne ressemble délibérément pas à la célèbre statue de David.
À l’aide d’une technique de transformation et de réplication multicouche (visible par les visiteurs sur un écran dans l’espace d’exposition), l’équipe 3D a scanné leurs propres corps, les a entrelacés en même temps et les a intégrés dans le logiciel utilisé pour créer des jeux vidéo, appelé Mélangeur. L’objectif était d’utiliser l’espace numérique pour changer l’idée de réplication, ils ont donc décidé que leur corps devait occuper le plus d’espace possible.
Cette « expansion » fait éclater l’image numérique dans une forme fragmentée exprimée à travers l’incohérence de la structure métallique massive NotDavid!. La dernière fois que Xcessive Aesthetics s’est opposé à ce qu’ils considéraient comme un effort historiquement patriarcal, la sculpture a été placée directement au-dessus de la cour de l’acteur dans la salle Leighton.
From the Forest est une vitrine axée sur la façon dont le bois peut être utilisé comme matériau durable. Cela fait partie d’un projet de recherche de dix ans appelé Make Good: Rethinking Material Futures qui a été lancé plus tôt cette année et présente dix meubles qui ont été principalement fabriqués au cours de cette décennie.
Devant l’exposition à la galerie du Dr Susan Weber se trouve une pièce appelée Bodge Bench de la designer Gitta Gschwendter en 2010, réalisée selon la technique du « chair wraping ». Gschwendtner a pu fabriquer le banc en une semaine, en utilisant uniquement du bois fraîchement coupé qui n’avait pas été séché au four ou séché à l’air et n’avait pas utilisé d’outils électriques.
Elle n’a aucune expérience préalable avec la technologie
Mais le banc dure depuis plus d’une décennie, essayant de prouver que les méthodes de fabrication traditionnelles – et durables – peuvent résister à l’épreuve du temps. La conservatrice du V&A, Johanna Agerman Ross, a assuré qu’elle avait testé le banc et qu’il était toujours intact.
Des nuances de bleu marine et de blanc mousseux s’étendent vers le haut sous la forme d’une structure imprimée en 3D dans un coin relativement abandonné de la galerie Simon Sainsbury. L’architecte italien Niccolo Casas s’est associé à Parley for the Oceans pour collecter 200 kg de plastique océanique qui composent la sculpture en forme de vague. »
« L’orientation rectiligne de la sculpture est interrompue au centre par une série de touffes saillantes rappelant des nuages ou encore de l’écume de mer sur l’eau. La forme naturelle organique de cette intersection a été réalisée par interpolation fractale, une technique qui imite la façon dont les roches ou les vagues portent naturellement une surface pour lui donner de la texture.
Plasticity vise à étudier les propriétés du plastique océanique et à en faire un matériau pouvant être utilisé plus largement à l’avenir. En collaboration avec Parley for the Oceans, Casas a l’intention de continuer à collecter du plastique dans les océans, les rivières, les îlots et les plages du monde entier, en l’utilisant pour fabriquer des produits comme des chaises et des tables, et éventuellement de petits abris ou des maisons pour les personnes des pays économiquement défavorisés.
💡 Ressources et références
Designweek.co.uk, via : Inside V&A’s London Design Festival programme. »
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