Un projet historique est la première galerie permanente du Royaume-Uni consacrée aux expériences et à l’histoire des communautés de la diaspora sud-asiatique, dans le cadre de la réouverture du musée de Manchester après une cure de jouvence de 15 millions de livres sterling.
Outre de nouvelles salles d’exposition et galeries pour la culture chinoise et l’idée d’« appartenance » dans une nouvelle extension de deux étages par les architectes Purcell, le développement a été soutenu par l’Arts Council England, le National Lottery Heritage Fund, l’Université de Manchester. Financement – le musée fait partie de – et d’autres partisans..
Non seulement le mandat de la galerie est important
Mais son développement est unique, organisé par les 30 membres du South Asia Gallery Collective – comprenant des artistes de la diaspora sud-asiatique, des éducateurs, des dirigeants communautaires, des journalistes et des musiciens, tous associés à Manchester.
Cependant
Ce n’était pas l’idée originale de la galerie de 372 mètres carrés, explique Nusrat Ahmed, membre du Collectif et co-commissaire, mais une décision prise après la nomination du directeur du musée, Esme Ward, qui souhaitait que le musée soit « plus inclusif ». et imaginatif ». et attentionné », explique Ahmed. Ahmed a été invité pour la première fois à contribuer en tant que membre de la communauté en 2018 : « On nous a demandé ce que vous aimeriez voir dans la galerie sud-asiatique. Pour beaucoup d’entre nous, c’était la clé : nous avons en fait été interrogés sur notre patrimoine et quelque chose que nous voulions. à montrer », dit-elle.
D’une première série d’ateliers avec 65 participants
« il était clair dès le début qu’il s’agirait d’une galerie axée sur l’histoire », a déclaré Ahmed. Ils ont ensuite créé un « groupe de base de 30 membres dont nous avons ensuite développé les histoires au cours des trois dernières années et demie », les divisant en six « anthologies »: passé et présent ; contexte de terrain ; science et innovation ; son, musique. et la danse ; les Asiatiques britanniques ; et le Mouvement et l’Empire.
Georgina Young
Responsable des expositions et des collections au Manchester Museum, a décrit le processus de co-curation comme « toute une transformation », ajoutant que le partenariat avec le British Museum a permis au collectif de sélectionner des objets de sa collection ainsi que ceux du Manchester Museum. combinés avec leurs propres objets personnels. « C’était vraiment amusant de voir ces choses raconter ces histoires côte à côte », a déclaré Young.
Façonné à travers les yeux de la diaspora
« ce sera la première fois que [le public] se verra reflété dans un espace culturel », a-t-elle ajouté. Mais même s’il s’agissait d’un processus « vraiment enrichissant », il y avait un bilan émotionnel à travailler avec ces histoires personnelles et « l’histoire des traumatismes » liés à l’histoire de l’Asie du Sud et à la culture de la diaspora, a-t-elle expliqué.
L’équipe de conception a été désignée après des entretiens avec le musée et l’équipe du collectif. Il a été organisé par Manijeh Verghese de Unscene Architecture (interprétation et liaison avec le commissaire), Studio C102 (design lead et 3D) et Mobile Studio Architects (3D), Sthuthi Ramesh Design (design 2D et identité visuelle), aDi (AV), Arup Lighting Composition et Leslie Clark (Santé et Sécurité).
Young a expliqué qu’il était important que l’équipe collaborative se soit réunie spécifiquement « pour développer une formule qui fonctionnait vraiment pour ce projet particulier » ; en même temps, la tradition de la diaspora de certains des membres était également importante, a ajouté Ahmed.
processus.
« Il faut beaucoup de temps pour co-organiser à cette échelle et le rendre vraiment significatif, et je pense que nous avons tous sous-estimé cela depuis le début », a déclaré Verghese.
« Nous avons eu des rencontres individuelles avec chacun des membres du Collectif pour comprendre leurs histoires, et avec le musée, nous avons vraiment essayé de réfléchir à une structure et à un thème. »
Cela s’est ensuite traduit en design
« le collectif et le musée ont été très clairs sur le fait qu’ils voulaient véhiculer une atmosphère sud-asiatique dans toute la galerie, mais pas la faire reposer sur des stéréotypes », ajoute-t-elle.
« Notre idée initiale était de laisser suffisamment d’espace aux membres du Collectif pour informer le processus, et en même temps, il fallait avoir une esthétique unifiée », a déclaré Kyriakos Katsaros, fondateur du Studio C102.
Stuthi Ramesh a ajouté
« Nous avons eu des réunions vraiment intéressantes avec le musée, [l’équipe de conception] essayant de réfléchir à ce que signifie être sud-asiatique et à quoi cela ressemble d’être dans un espace sud-asiatique. »
« Nous avons beaucoup montré le Collectif et le musée pour essayer de découvrir
Tout, des matériaux aux graphismes, en passant par le langage utilisé dans la galerie.
« Cette approche – remettre en question les choses et s’appuyer sur notre intuition dans une certaine mesure – imprègne chaque aspect de la conception de la galerie et, espérons-le, en fait l’expérience », a déclaré Ramesh.
Conception d’exposition 3D.
Un autre défi
A expliqué Katsaros, était de travailler avec une exposition où « nous voyageons depuis les temps anciens jusqu’à aujourd’hui ».
« Comment construire une série d’affichages pour répondre à cette énorme diversité
Sans donner la priorité à un objet plutôt qu’à un autre. Cela dit, l’expérience de vie personnelle de quelqu’un est aussi importante visuellement qu’une pierre précieuse ».
Verghese a déclaré que l’hypothèse initiale de l’équipe était que « les objets seraient très vibrants et colorés », ce qui a conduit Studio C102 et Mobile Studio à proposer d’abord une palette neutre qui était « dépendante de la texture ». Cependant, compte tenu de l’approche basée sur l’histoire, elle a expliqué que ces éléments « doivent souvent être examinés » ou « mettent l’accent sur la texture plutôt que sur la couleur ».
Au lieu de cela
Des vitrines de lignes de soie « ressemblant à des bijoux » aux couleurs vives peuvent contenir des objets aussi simples que des briques anciennes : « Nous en faisons juste une chose dans une vitrine, nous la rendons spéciale », a déclaré Young.
Les murs sont peints en ocre foncé et les matériaux comprennent des panneaux de laiton peints à la main qui couvrent la façade de la galerie. Selon Verghese, « le laiton a été choisi comme une sorte de référence dans toute la galerie, à la fois pour commémorer les objets du quotidien que l’on trouve en Asie du Sud et pour célébrer les objets religieux ». Parmi les autres matériaux, citons le papier Khadi traditionnel, fabriqué à partir de « chiffons d’où je viens en Inde », ajoute-t-elle.
Le centre est un espace de programme ouvert qui peut être utilisé pour des rassemblements, des ateliers et des projections de films. Contrairement aux couleurs et aux textures trouvées ailleurs, un « gris projeté » neutre a permis à ces murs d’agir comme des toiles, a-t-il déclaré. Le dégradé de noir se fond avec le plafond acoustique du bâtiment, aidant à dissimuler l’éclairage et les équipements audiovisuels.
« Dans ce cas
Nous comptons sur les gens pour apporter la couleur », a ajouté Young.
Le mobilier de la galerie provient de la firme indienne Phantom Hands
Qui, selon Verghese, est nommée « en hommage à tous les anonymes qui ont travaillé sur les meubles, en particulier pendant la période coloniale ». Ces détails ne sont pas précisés, mais créent une « expérience multisensorielle tactile lorsque vous passez », a-t-elle expliqué.
Ramesh a participé à la conception bidimensionnelle de l’exposition
Ainsi qu’à l’identité visuelle plus large du projet.
Une police de caractères personnalisée appelée SAG a été créée en collaboration avec Universal Thirst, une fonderie de Bangalore et d’Islande spécialisée dans l’écriture sud-asiatique et latine. Il « résonne avec le voyage de la diaspora de l’Asie du Sud à Manchester, et il peut également accueillir des personnages multilingues d’une manière fraîche et contemporaine », explique Ramesh.
Ramesh a déclaré que le design bicolore était inspiré des « panneaux d’orientation dessinés à la main au pochoir que l’on trouve dans les gares d’Asie du Sud ». Cela l’a amenée à vouloir explorer « les systèmes de polices de caractères modulaires ou les polices de pochoir », dit-elle. Elle est tombée sur une fonderie sud-asiatique dans les années 1920, une fonderie gujarati. « Les échantillons de polices que j’ai trouvés dans leur catalogue avaient un système modulaire qui fonctionnait bien avec les polices personnalisées multilingues », ajoute-t-elle.
Un mot-symbole multilingue composé de sept écritures différentes dans sept langues différentes
Latin, pendjabi, hindi, bengali/bengali, ourdou, gujarati et tamoul.
« juste commencé ».
La conception de la galerie est itérative
Avec des objets périodiquement tournés et entièrement réaffichés tout au long de leur durée de vie prévue de 15 ans. À cette fin, les vitrines sont conçues sur mesure et modulaires, tandis que la signalétique utilise un système de rails pour un réaccrochage facile lorsque la collection est reconfigurée.
Verghese a déclaré que même si elle est d’origine sud-asiatique et a grandi en Inde, elle a beaucoup appris du Collectif. Elle est ravie de la façon dont la galerie se développera davantage grâce au public, qui, selon elle, pourra « apprendre de ces histoires et s’approprier les leurs pour contribuer aux futures itérations ».
« L’ouverture de la galerie n’est pas la fin
C’est le début », a déclaré Ahmed.
💡 Ressources et références
« designweek.co.uk », de : Designing the UK’s first permanent gallery consacré à la culture sud-asiatique..